Das Projekt entwickelt sich innerhalb eines Pfades der Kontinuität, der zwei unterschiedliche, aber miteinander verbundene Momente in der Programmgestaltung des Museums unter der Leitung von Lorenzo Giusti miteinander verbindet: Think Like a Mountain, das zweijährige Programm, das zwischen 2024 und 2025 einen Raum für gemeinsame Überlegungen zu den Themen Nachhaltigkeit und kollektive Dimension der künstlerischen Erfahrung eröffnete, und Pedagogy of Hope, das das Erbe aufgreift und 2026 die Aufmerksamkeit auf die pädagogische Dimension und die Rolle der Kunst als Praxis des Wissens, der Beziehung und der Transformation lenken wird.
Inspiriert von den Gedanken des brasilianischen Pädagogen Paulo Freire, der Bildung als eine Praxis der Freiheit versteht, ist das Programm das Ergebnis einer ständigen Zusammenarbeit zwischen Sara Tonelli und Rachele Bellini von der Bildungsabteilung und dem Kuratorenteam Sara Fumagalli, Valentina Gervasoni und Irene Guandalini.
Durch einen gegliederten Kalender von Aktivitäten – von einer permanenten Werkstatt für pädagogische Experimente in den Räumlichkeiten des Palazzo della Ragione bis hin zu Ausstellungsprojekten im Spazio Zero, von Vorträgen und Workshops mit internationalen Gästen bis hin zur neuen Saison von Radio GAMeC – wird Pedagogy of Hope im Laufe des Jahres verschiedene Zielgruppen aktiv einbeziehen und die Rolle der Institution als Raum für Dialog, Partizipation und kollektive Verantwortung stärken.
Die von Ana Silva für GAMeC’s Spazio Zero konzipierte Ausstellung entstand in Zusammenarbeit mit einem Netzwerk lokaler Stickerinnen, die von der Künstlerin eingeladen wurden, an einigen ihrer Textilarbeiten mitzuwirken, und entwickelt sich in Kontinuität mit ihrer Forschung, die sich mit einer der schwerwiegendsten Krisen unserer Zeit befasst: dem Zugang zu Wasser.
Für die Herstellung ihrer Werke vertraut Silva die von ihr erdachten und entworfenen Motive zunächst angolanischen Stickerinnen an – in Angola dürfen nämlich nur Männer die Nähmaschine bedienen – und stellt die Werke dann selbst fertig, indem sie Verzierungen, Glitzer und Pailletten von Hand hinzufügt.
Durch die Sprache der Stickerei – die traditionell mit Pflege, Erinnerung und Widerstand assoziiert wird – prangert die Künstlerin die Wasserknappheit an und macht eine Realität sichtbar, in der Wasser kein Recht, sondern ein Privileg ist. Jeder Stich legt stillschweigend Zeugnis ab von einem Grundbedürfnis, das verweigert wird, und betont den Kontrast zwischen der zarten Geste der Stickerei und der Dramatik des Themas.
Ana Silvas künstlerische Praxis entwickelt sich zwischen Erinnerung, Materialität und soziokultureller Kritik, im Dialog mit den Auswirkungen von Globalisierung, Konsum und transkontinentalen Strömen. Ihre Arbeit entsteht aus einer einfachen und radikalen Geste: der Rückgewinnung von weiblichen Textilien, Praktiken und Wissen, die lange Zeit in den privaten Raum verbannt waren und nun als zeitgenössische künstlerische Sprache angenommen werden.
Die industriellen Textilien, die die Künstlerin für die Herstellung ihrer Werke verwendet, sind Träger einer Erfahrung: Sie wurden in Afrika oder für Afrika in Massenproduktion hergestellt und waren einst von zentraler Bedeutung für das tägliche Leben. Heute werden sie in einem globalen System der beschleunigten Produktion und des Konsums angehäuft, vergessen, ersetzt und in Abfall verwandelt. Ana Silva fügt sich in diesen Kreislauf ein, indem sie die ausgewählten Materialien zurückgewinnt und wiederverwertet. Durch die Praxis des Stickens verlangsamt sie die industrielle Zeit und führt eine manuelle, sich wiederholende und körperliche Zeitlichkeit ein.
Die Künstlerin lebt und arbeitet zwischen Portugal, Brasilien und Angola. Sie bewegt sich zwischen verschiedenen Territorien, Erfahrungen und Kulturen, was sich in ihren Werken widerspiegelt, insbesondere in der Art und Weise, wie sie weibliche Figuren porträtiert: zerbrechliche, unvollständige Präsenzen, die in geometrische Muster integriert sind, die an Massenproduktion, globale Märkte und das noch immer bestehende koloniale Erbe erinnern.
Indem die Künstlerin in diese Muster durch Stickerei eingreift, führt sie eine Unterbrechung, einen Atemzug ein. Die manuelle Geste fügt den industriellen Stoff in ein breiteres Ökosystem ein, in dem Nachhaltigkeit nicht nur ein Umweltthema ist, sondern auch ein kulturelles und soziales. Nachhaltigkeit bedeutet Pflege, Flickschusterei, Verlängerung des Lebens von etwas, das dazu bestimmt schien, weggeworfen zu werden. Darüber hinaus tragen das freie Design, die freiliegenden Fäden und das Fehlen eines Finishs dazu bei, die Ablehnung einer festen Identität oder einer einzigen Erzählung zu verstärken: Die Figuren sind Körper im Aufbau.
Die Ausstellung präsentiert dem Publikum auch einen Korpus von Silvas früheren Arbeiten, der die Entwicklung seiner künstlerischen Forschung nachzeichnet: die Serie O Fardo / Vestir Memórias, die aus Plastik- und Raffiasäcken besteht, die für den Transport von Kleidern von Europa nach Afrika verwendet wurden und für Secondhand-Märkte bestimmt sind, und die diese Objekte als künstlerische Träger und Werkzeuge für eine kritische Reflexion neu konfiguriert.
Diese mit Kleidung gefüllten Säcke, die aber auch mit unsichtbaren Geschichten und Wegen verbunden sind, werden ihrer ursprünglichen Funktion entzogen und zu erzählerischen Oberflächen umgestaltet: Auch hier greift die Künstlerin durch Sticken und Nähen ein und integriert menschliche Figuren, Szenen aus dem Alltag und symbolische Motive, die auf das soziale Leben, die Kindheit, die Pflege und die Weitergabe von Erinnerungen verweisen.
Die Wahl des Mediums ist nicht neutral: Das Material, das ursprünglich mit Abfall assoziiert wurde, hebt wirtschaftliche Asymmetrien hervor, hinterfragt die Kreisläufe des Konsums und legt die ökologischen und sozialen Folgen des Überschusses offen, der durch die Produktions- und Konsumsysteme des globalen Nordens erzeugt und in die Länder des Südens geschüttet wird. Gleichzeitig schlagen die Werke eine sensible und poetische Wiederaneignung der Rückstände vor, die in eine Angelegenheit des Widerstands, der Bejahung und des Wiederaufbaus verwandelt werden.
Die in der Ausstellung präsentierten Werke beschäftigen sich mit der Ökologie als Beziehung zwischen Körpern, Materialien, Geschichten und Produktionssystemen. Silva fragt, welche Geschichten aus dem erzählt werden können, was vergessen oder weggeworfen wurde. Textile Praxis, soziale Forschung und Umweltbelange werden so im Ausstellungsraum in einer kritischen Neuinterpretation des Alltäglichen miteinander verwoben.
